arrebatador

La palabra Arrebato, recupera la raíz latina *rapere*, que significa “arrancar con violencia” o “raptar”. La instalación se propone como un acto de rapto: un gesto transformador que agita certezas del cuerpo ante su imagen.

Iván Zulueta, en su película Arrebato (1979), presenta a Pedro, cuya obsesión por filmarse durante el sueño lo conduce a ser literalmente devorado por la cámara: cada fotograma lo disuelve un poco más, hasta su desaparición en el color rojo. Si Arrebato aparece como pionera de la autofagia visual, el arrebatador reparte esa misma lógica: un espejo de baño se convierte aquí en cámara. El acto de posar frente al espejo activa el registro continuo donde la propia reflexión comienza a borrarse, diluyéndose en el fotograma rojo de la sangría de la mirada, del vampirismo del ojo.

Aquí, el espejo adopta la forma de una pantalla LED retroiluminada con una cámara oculta. Cuando alguien se aproxima, un sistema de detección de movimiento identifica su silueta y la va borrando progresivamente, frame a frame, hasta que solo permanece el rojo. Esta fusión de software y hardware convierte el acto de mirar en un gesto performativo donde el objetivo ya no es reflejar, sino secuestrar una parte de la presencia del espectador.

La cultura contemporánea de la sobreexposición reproduce hoy este mismo mecanismo. Cada selfi y cada filtro multiplican una visibilidad digital que erosiona la carne, creando avatares filtrados desvinculados de los cuerpos reales. La imagen se replica como un yūrei (los fantasmas japoneses atrapados en los reflejos) o como las «imágenes pobres» de baja resolución descritas por Hito Steyerl, que se degradan con cada copia. La pieza invita a experimentar el vacío de la imagen, allí donde el espejo se convierte en un umbral entre la presencia y la desaparición.